Początek roku to zawsze czas na przemyślenia i snucie planów na przyszłość. U nas to też inspiracja do przygotowania materiałów, w których przyglądamy się nieco bliżej przeróżnym trendom. Dzisiaj chciałabym więc podzielić się z Wami moją wizją przyszłości projektowania na 2025 rok.
Mixed media - łączenie świata cyfrowego i projektów odręcznych
W świecie zdominowanym przez media cyfrowe i AI projektanci coraz chętniej zwracają się ku autentyczności i projektom wykonanym lub stylizowanym na ręczne. Popularność zyskują odręczne szkice, wycinanki i kolaże, które nadają projektom unikalny charakter, kontrastując z perfekcjonizmem technologii cyfrowych i wprowadzając osobisty wymiar w proces twórczy.
Projekty inspirowane mixed media wyróżniają się widocznym śladem twórcy. Nierówne linie, tekstury papieru czy spontaniczne kompozycje wnoszą ciepło i autentyczność, a w połączeniu z technikami cyfrowymi tworzą nowoczesne wizualizacje z odniesieniami do tradycyjnych form artystycznych.
Przykładem takiego podejścia jest identyfikacja wizualna marki Terra Spices, która łączy minimalistyczne opakowania z abstrakcyjnymi kształtami przypominającymi odręczne rysunki. Projekt odzwierciedla wartości marki, takie jak różnorodność i autentyczność, a ręcznie wykonane elementy tworzą ciepłą narrację o produktach inspirowanych kulturami z całego świata.
Podobny kierunek obrał Elbjazz Music Festival, gdzie geometryczne kształty i żywe kolory łączą się w nowoczesną i artystyczną identyfikację wizualną. Projekt harmonijnie zestawia tradycyjne formy z abstrakcyjnymi rozwiązaniami, podkreślając unikalny klimat festiwalu i różnorodność muzyczną.
Jeszcze jednym przykładem jest identyfikacja marki Cafetito, która opiera się na odręcznych ilustracjach, podkreślających kraftowy charakter miejsca. Projekt, dzięki rysunkowym formom i żywym kolorom, buduje wizerunek autentyczny i przyjazny. To przemyślane połączenie rzemieślniczego podejścia z nowoczesną estetyką, idealnie oddające ducha marki.
Więcej inspiracji mixed media na moim Pintereście.
Variable fonty – typografia dostosowująca się do każdej przestrzeni
Choć variable fonty nie są nowością, ich popularność dynamicznie rośnie. Współczesne kroje tego typu obsługują nie tylko zmienną grubość, ale także szerokość, oferując projektantom niemal nieograniczone możliwości twórcze. Dzięki tej technologii można tworzyć identyfikacje wizualne i strony internetowe, które są nie tylko elastyczne, ale również świetnie nadają się do późniejszej animacji.
Variable fonty zmieniają sposób, w jaki projektanci podchodzą do typografii. Pozwalają na płynne dostosowywanie układów do różnych nośników i rozmiarów, zachowując jednocześnie spójność wizualną. To także szansa na wprowadzenie typografii dynamicznej, która zmienia się w zależności od treści, kontekstu i dostępnej przestrzeni.
Font Ludowy, stworzony na podstawie typografii historycznego neonu zdobiącego budynek Teatru Ludowego w Nowej Hucie, to świetny przykład zastosowania variable fontów w wyjątkowym projekcie. Nowa identyfikacja, zaprojektowana przez Studio Otwarte, czerpie z dziedzictwa teatru, zachowując jego unikalny charakter. Elastyczność zmiennych fontów pozwala na tworzenie charakterystycznych plakatów, materiałów promocyjnych oraz systemów oznakowania, które harmonijnie łączą tradycję z nowoczesnością. To projekt, który doskonale wpisuje się w ducha marki, jednocześnie podkreślając jej wyjątkowe dziedzictwo.
Projekt SNUG doskonale ilustruje potencjał variable fontów w tworzeniu dynamicznej i elastycznej identyfikacji wizualnej. Duże, wyraziste elementy typograficzne zastosowane w brandingowej komunikacji marki są nie tylko estetyczne, ale również funkcjonalne. Wykorzystanie zmiennych fontów pozwala na dopasowanie tekstu do różnych formatów – od billboardów po opakowania – jednocześnie zachowując spójność wizualną. Tego typu podejście idealnie podkreśla innowacyjny charakter marki „SNUG” i jej odważne podejście do przełamywania konwencji. Variable fonty w dynamicznych projektach, takich jak ten, stają się narzędziem, które wzmacnia kreatywność i efektywność realizacji.
Kolejnym przykładem wykorzystania variable fontów jest projekt tożsamości wizualnej dla BBAU. Zastosowanie zmiennych fontów pozwala tutaj na dynamiczne dostosowywanie typografii do potrzeb projektu, a ich potencjał do animacji nadaje całości nowoczesny wymiar.
Więcej inspiracji variable fontami na moim Pintereście.
Brutalistyczny minimalizm – wyrazistość i autentyczność dzięki prostocie
Klasyczny minimalizm ustępuje miejsca bardziej wyrazistemu podejściu, które można określić jako “brutalistyczny minimalizm”. Styl ten charakteryzuje się wykorzystaniem wersalikowych fontów, pozornie chaotycznymi układami oraz zestawieniem bieli, czerni i jaskrawych kolorów. To propozycja dla osób poszukujących minimalistycznej estetyki w bardziej odważnym, nieoczywistym wydaniu.
Brutalistyczny minimalizm odrzuca tradycyjne zasady harmonii i elegancji na rzecz surowości i autentyczności. Projekty w tym stylu mogą sprawiać wrażenie niedokończonych lub improwizowanych, co nadaje im wyjątkowego charakteru. Styl ten znajduje zastosowanie w projektach kulturalnych, modowych, stronach internetowych czy identyfikacjach wizualnych marek, które chcą wyróżnić się swoją niezależnością i innowacyjnością.
Projekt książki JUNK(IES) doskonale ilustruje brutalistyczny minimalizm. Łączy surową estetykę z wyrazistym przekazem, jednocześnie pozostając funkcjonalnym. Prosta typografia, ograniczona paleta kolorów i masywna forma publikacji podkreślają brutalny charakter projektu – zarówno w dosłownym, jak i symbolicznym sensie. Książka ważąca 2,7 kg staje się dosłownym manifestem problemu nadmiernego konsumpcjonizmu, zmuszając odbiorców do refleksji. Brutalistyczny minimalizm tego projektu wyróżnia go wizualnie i wzmacnia jego narracyjną siłę, czyniąc z niego skuteczne narzędzie komunikacji.
Identyfikacja wizualna marki Trigger również wpisuje się w nurt brutalistycznego minimalizmu. Projekt charakteryzuje się dominującą typografią, zestawioną z oszczędną paletą kolorów i jaskrawymi detalami w formie informacyjnych pasków. Opakowania są czytelne, funkcjonalne i podkreślają profesjonalizm oraz niezależność marki. Projekt zachowuje równowagę między odważnym podejściem do designu a klarowną komunikacją, co idealnie wpisuje się w wymagania rynku kaw speciality.
Kolejnym przykładem brutalistycznego minimalizmu jest projekt marki Maison Fleuret. Prostota dużej typografii i ograniczona paleta kolorów tworzą elegancką, ale wyrazistą estetykę. Minimalistyczny i elastyczny design sprawia, że identyfikacja z łatwością dopasowuje się do różnorodnych zastosowań – od grafik do sieci, przez produkty po przestrzenie fizyczne. Dzięki tej spójności i wyrazistości, Maison Fleuret zachowuje unikalną tożsamość, która może ewoluować wraz z marką, nie tracąc swojego charakteru.
Więcej inspiracji brutalistycznym miminalizmem na moim Pintereście.
AI-driven design – projekty inspirowane technologią
Technologia generowania obrazów z wykorzystaniem AI przeszła długą drogę i w 2025 roku stanie się pełnoprawnym narzędziem w arsenale praktycznie każdego projektanta. Projekty stworzone przy pomocy AI wyróżniają się fotorealistyczną, gamingową stylistyką, zaawansowaną fotomanipulacją i śmiałymi kompozycjami, które normalnie wymagałyby ogromnych budżetów. AI-driven design zmienia sposób, w jaki tworzymy wizualne narracje, łącząc nowoczesną technologię z tradycyjnymi metodami projektowania.
Dzięki AI projektanci mogą eksplorować nowe formy estetyki, generować nieskończoną liczbę wariantów i testować pomysły w rekordowym czasie. Sztuczna inteligencja pozwala na realizację projektów, które wcześniej byłyby niemożliwe do wykonania w rozsądnych ramach czasowych, otwierając tym samym nowe możliwości w świecie designu.
Teledysk Quebonafide do utworu FUTURAMA 3, wyreżyserowany przez prof. Andrzeja Dragana, jest doskonałym przykładem, jak AI może stać się centralnym elementem stylistycznym. W produkcji tej nie próbowano ukryć użycia sztucznej inteligencji – wręcz przeciwnie, jej obecność została celowo wyeksponowana. Tła scenograficzne stworzono za pomocą narzędzia Midjourney, a dynamiczne przejścia i ujęcia powstały dzięki technologiom takim jak Runway, Luma Dream Machine i Stable Diffusion. Efekt dopełnia zastosowanie deepfake, bazującego na specjalnie trenowanych modelach. Całość stanowi immersyjne doświadczenie, w którym cyfrowa estetyka i generatywna sztuka odgrywają główną rolę. To przykład, jak technologia może redefiniować współczesne podejście do wizualnej ekspresji.
Kampania Adventures in A-EYE, zaprojektowana przez agencję Design Army dla rodzinnej marki Georgetown Optician, jest kolejnym dowodem na to, jak AI może inspirować twórców. Retro-futurystyczna stylistyka łączy modę z science fiction, wykorzystując generatywne modele AI do stworzenia surrealistycznych krajobrazów i unikalnych postaci. Dzięki technologii projekt zyskał nie tylko wyjątkową estetykę, ale także efektywność czasową – realizacja całej kampanii zajęła zaledwie miesiąc, w porównaniu do tradycyjnych sześciu. To pokazuje, jak AI może wspierać kreatywność, jednocześnie zwiększając wydajność i skalowalność projektów.
W kampanii Timeless Classics dla inspirowanej produktami Adidas wykorzystanie AI również stało się motywem przewodnim. Twórcy, korzystając z narzędzia Midjourney, stworzyli realistyczne wizerunki ikon XX wieku, takich jak Muhammad Ali czy Mahatma Gandhi. Dzięki subtelnym poprawkom w Photoshopie obrazy zyskały finalny, wyjątkowy charakter. Koncepcja kampanii nie tylko podkreśla potencjał AI jako narzędzia, ale ponownie czyni z niej centralny element swojego przekazu, eksponując technologiczne możliwości współczesnej reklamy. To odważne podejście redefiniuje sposób, w jaki postrzegamy wizualne narracje i potencjał nowoczesnego designu.
Więcej inspiracji projektami inspirowanymi AI na moim Pintereście.
Motion design w brandingu
Na koniec wszystko łączy ruch – motion design jest fundamentem współczesnego projektowania. Wszystkie wcześniej wspomniane trendy zyskują dzięki możliwości ich animacji. Klienci coraz częściej oczekują dynamicznych, przyciągających uwagę rozwiązań, które angażują odbiorców, a projektanci muszą dostarczać je w sposób szybki i wydajny. Motion design to nie tylko przyszłość, ale także teraźniejszość – dynamiczna, żywa i niezwykle angażująca.
Animacje w brandingu nie tylko skutecznie przyciągają uwagę, ale także budują emocjonalne więzi z użytkownikami. Ruch pozwala na opowiadanie historii marki w sposób bardziej interaktywny i niezapomniany, tworząc silniejsze połączenie między marką a jej odbiorcami.
Jak podoba Ci się ta wizja projektowania na 2025 rok? Czy któryś z trendów stanie się Twoją inspiracją do tworzenia? A może masz swoje własne przewidywania dotyczące przyszłości designu? Chętnie o nich usłyszę!
